(Ilya Levinson by friendsfirstphoto.com)
Ilya Levinson es un compositor de música estadounidense nacido en Rusia. Es profesor asociado en el Columbia College de Chicago y director de estudios de composición. Nos acompañó el pasado mes de diciembre en el Concierto de Música Clásica IEN (the IEN Classical Music Concert), donde su aclamada Klezmer Rhapsody fue interpretada por Ala Voronkova y Guerassim Voronkov. Fue increíble tenerlo como parte del público. El catálogo de Levinson incluye óperas, musicales, música sinfónica y de cámara, partituras de películas y música original para producciones teatrales; una muy amplia gama de estilos de composición. No queríamos perder la oportunidad de charlar con él.
Si puedo preguntar, ¿qué le trae por Barcelona?
Esta actuación. Conocí a Guerassim en Barcelona en 2015. Somos amigos desde entonces y nos hemos encontrado en varias ocasiones. En 2019, justo antes de la pandemia, Guerassim y Ala me invitaron a su festival en Saillagouse (Francia) para dar un concierto de música de temática judía. Allí tocamos mi Klezmer Rhapsody en un arreglo para viola, violín, violonchelo y piano.
Escribí Klezmer Rhapsody en 1998 para violín y orquesta, e hice diferentes arreglos para combinaciones instrumentales más pequeñas que se han interpretado varias veces. Hice un arreglo para violín y piano mucho más tarde para mi amigo alemán David Yonan; un violinista virtuoso. Ahora estoy muy feliz de que Guerassim y Ala hayan incluido mi pieza en su repertorio. En este concierto, la interpretación de violín de Ala fue electrizante.
Su música es muy conmovedora y espiritual. En una misma pieza musical hay momentos con mucha energía y tramos más relajados. Va de un extremo al otro.
Es tarea de los compositores programar momentos de reflexión en su música, como en un oficio religioso, donde hay un momento planificado para la meditación después del sermón. En la tradición sinfónica, por ejemplo, el segundo movimiento de la sinfonía es un movimiento lento para dar tiempo a las personas para que se calmen emocionalmente, porque está claro que la música dirige nuestras emociones. Si los filósofos griegos afirmaron que el Cosmos se rige por los números, la música mueve esas partes invisibles de nuestro cuerpo como el corazón y el alma.
Entonces, la música es más que entretenimiento.
¡Por supuesto! La gente escucha música y se sumerge en ella. Esto nos dice que no es solo entretenimiento. Si la música se presentara como algo que requiere un esfuerzo intelectual para ser escuchada, pocas personas irían a un concierto, pero la música tiene su efecto en ti si la escuchas con atención.
Si excluimos a George Gershwin, Leonard Bernstein y John Williams, los compositores de música clásica estadounidenses no se interpretan muy a menudo aquí en Cataluña, ni en España en general. ¿Tiene alguna opinión sobre el por qué?
Creo que la opinión general acerca de la música estadounidense es que la música estadounidense es jazz. Para un compositor, se necesita tiempo para convertirse en un nombre familiar, como Gershwin. La mayoría de la gente sabe quién era Gershwin, adoran Porgy y Bess, por lo que esa familiaridad puede hacerles decidir ir a un concierto donde se interprete su música. Igual que a un concierto de John Williams, ya que es muy conocido por las películas. O a uno de Leonard Bernstein…. ¡seguro! Quizás el gran público reconozca algunas piezas de Aaron Copland, Samuel Barber, William Shumann o el minimalista Philip Glass.
Los países europeos se preocupan por sus compositores. En América no hay premios nacionales para compositores clásicos, como los hay en los países europeos. El jazz se considera la música oficial estadounidense y es reconocido en todo el mundo.
La música de cine se está haciendo un hueco en la programación de conciertos. ¡La Orquesta Sinfónica de Chicago interpreta El Señor de los Anillos en directo!
Quizás sea una música más fácil de seguir, de escuchar.
Hay ciertos cánones y reglas que imperan sobre la música de películas y son seguidos por los compositores para que el espectador tenga fácil acceso.
Si miras las partituras de Bernard Herrmann, están muy bien concebidas y muy bien escritas. Es un referente indiscutible de la música para el cine. Trabajó con Alfred Hitchcock, para quien compuso la música para películas como Vértigo.
En todas las películas, la música es muy importante para crear la atmósfera que busca el director.
Tiene su función. De hecho, todos estos violines agudos y sonidos disonantes que escuchamos en las películas de Hitchcock provienen de Arnold Schoenberg. Arnold Schoenberg fue un compositor austríaco que se mudó a Hollywood desde Viena para escapar del régimen nazi; y un momento dado se planteó convertirse en compositor de música de cine. ¡Gracias a Dios que no llegó a suceder! Fue uno de los primeros compositores en ahondar en la composición atonal. Enseñaba en dos universidades de Los Ángeles y ha dado forma a gran parte del pensamiento musical del siglo XX.
¿Cree que hay alguna característica particular de la música clásica estadounidense que la distinga de la europea?
Hay algo diferente en la música clásica estadounidense debido a la mezcla de culturas. Algunas piezas escritas por compositores estadounidenses provienen de diferentes fuentes culturales. No provienen de un canon, sino de ignorar el canon o romper con él. Por ejemplo, cuando un compositor europeo quiere escribir una sinfonía, piensa: «¿Qué nuevas ideas podría aportar a la sinfonía después de Beethoven, Bruckner o Brahms?» En un momento dado me pregunté si debería seguir esta tradición o simplemente escribir música sin importarme mucho si mi música sonaría estadounidense o europea.
Cuando Antonín Dvořák fue invitado a dirigir el Conservatorio Nacional de Música de Nueva York (1892), fue el primero en decir que los estadounidenses poseían una fuente de inspiración en los espirituales negros tan rica que debían usarlos para crear una escuela de composición seria y original. A partir de su experiencia, escribió la Sinfonía n.° 9, subtitulada Del Nuevo Mundo.
No existía una escuela de composición clásica estadounidense a principios del siglo XX. Los compositores clásicos estadounidenses estudiaron en Europa con Nadia Boulanger. Esto les dio prestigio entre los críticos que una vez escribieron «Gershwin lleva la música de concierto al nivel del jazz, mientras que Copland eleva el jazz al nivel de la música de concierto». ¿Adivina quién había estudiado en París en ese momento?
Esta concepción cambió de hecho hace treinta años cuando Gershwin se convirtió en un tema reconocido de investigación académica. Mi disertación en la Universidad de Chicago fue «Gershwin y Joseph Schillinger». Joseph Schillinger fue un inmigrante ruso que desarrolló el sistema de composición musical. Enseñó a muchos músicos comerciales, y Gershwin fue uno de sus alumnos más célebres. Después de la muerte de Gershwin, Schillinger afirmó que Porgy y Bess se escribió de acuerdo con el sistema de Schillinger.
En opinión de la crítica, tenías que ir a Europa a estudiar composición musical, y esto sigue siendo cierto en parte. Hoy en día la gente va al IRCAM (L’Institut de recherche et coordinación acoustique/musique) en París, o va a Alemania.
Parece difícil ser compositor de música clásica en Estados Unidos.
Escribir música lleva mucho tiempo, por lo que la mayoría de los compositores de música estadounidenses la enseñan. No existen subvenciones para ellos. Entonces, las universidades te dan un puesto de trabajo y tú enseñas, pero también tienes tiempo para componer. La mayoría de las grandes universidades estadounidenses están ubicadas fuera de las grandes ciudades, en medio de campos de maíz, donde un compositor puede tener mucho tiempo y mucho espacio. A tu alrededor no hay nada más que cientos de kilómetros de un lienzo en blanco, así que haz lo que quieras. No existe una tradición firmemente establecida. Esta es mi explicación de esta multiplicidad de estilos. Estados Unidos es un espacio muy grande, por lo que todos pueden encajar.
La red social de música es diferente a la europea. Sé un poco sobre la financiación de la música en Europa, pero la financiación en la Unión Soviética consistía en que dos veces al año el Ministerio de Cultura te compraba una sinfonía o un concierto. Podías escribir lo que quisieras, aunque probablemente debiera encajar en cierto estilo, de conformidad con la ideología oficial hasta cierto punto. Entonces, podías ganarte la vida escribiendo música.
En Estados Unidos existen algunas fundaciones que otorgan becas a compositores, como la Fundación Musical Fromm (Fromm Music Foundation), pero en general, la mayoría de los compositores enseñan.
A veces, cuando hablamos de música clásica o de concierto estadounidense, la gente piensa en la música minimalista, que no es fácil de entender.
Una de las primeras composiciones musicales minimalistas escrita en Estados Unidos fue In C (1964), de Terry Riley. Yo llegué a Estados Unidos en 1988 desde Moscú y tenía una formación clásica y un gusto muy conservador. John Cage y su pieza 4’33», que son 4 minutos y 33 segundos de silencio, me sorprendieron mucho. Lo vi en su 80 cumpleaños, y dijo algo que me hizo entender el propósito de 4’33»: cada oyente escucha su propia pieza musical durante 4’33», porque cada persona escucha diferentes ruidos y sonidos en el silencio. Entonces, ¡tiene sentido! Creo que esta explicación dice mucho sobre la mentalidad musical estadounidense: Todo el mundo escucha cosas diferentes en la música.
Cage es definitivamente un producto de la cultura estadounidense.
En 2016 fue nominado a un Grammy; ¿por qué obra?
Soy director musical de la New Budapest Orpheum Society, una formación musical residente en la División de Humanidades de la Universidad de Chicago. Interpreta música judía de cabaret, que es un término inventado por nuestro director artístico Philip V. Bohlman para nombrar esta sátira política que destaca las fallas en la sociedad.
Grabamos tres CD: Dancing on the Edge of a Volcano, Jewish Cabaret in Exile, y As Dreams Fall Apart: The Golden Age of Jewish Stage and Film Music (1925–1955). Por este último CD fuimos nominados a un Grammy en 2016.
La próxima actuación en la que participaremos es acerca de Erich Korngold, un exitoso compositor de música para conciertos y películas que emigró a Hollywood huyendo de los nazis.
Su ópera Die Kathrin se representará en la Universidad de Chicago. Vamos a ofrecer un concierto para dar a conocer la música de su época.
Lo que estamos haciendo es preservar la música de los compositores judíos, especialmente la música que ha sido olvidada. Interpretamos canciones de Philip V. Bohlman que se encuentran en los archivos austriacos. También trabajamos con investigadores de Performing the Jewish Archive, en Reino Unido. Existe una gran cantidad de material del campo de concentración de Theresienstadt, donde hubo una vida musical increíble.
Investigadores de Performing the Jewish Archive han encontrado una música fascinante y edificante en el campo de concentración de Theresienstadt; música que nunca se ha interpretado fuera del campo de concentración, como las últimas composiciones musicales de Viktor Ullmann.
La música siempre intenta abstraerte de la realidad.
